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Música en la tele

Música en la Tele

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Para las tardes lluviosas del mes de septiembre, en las que más niños de los que quisiéramos encuentran diversión en la tele, recomiendo un cortometraje animado que ganó el Oscar en 1946. Éste es nada menos que The Cat Concerto, basado en la Rapsodia húngara n°2 de Franz Liszt, que seguramente muchos adultos conocen pero que bien vale la pena que chicos y grandes vean o vuelvan a ver hasta el final.

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Desde que surgió este género, muchos creadores de dibujos animados han utilizado  obras  maestras de la música clásica para dar vida a sus animaciones. El ejemplo más célebre de esta atractiva combinación es la película Fantasía.

Este recurso es beneficioso tanto para el productor como para el público. El primero por contar con un material sonoro de primer orden que por sí solo estimula enormemente la imaginación del oyente; el segundo, porque sin saberlo, ni deliberadamente buscarlo, está siendo cultivado, al mismo tiempo que se divierte…

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Ojalá que más instituciones o empresas dedicadas al entretenimiento del público recurrieran con tan buen tino a los increíbles avances tecnológicos de nuestros tiempos  para ayudar a difundir en un contexto amable y asequible a todos, a los grandes exponentes de la cultura musical universal.

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Por si quieren saber más…

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La rapsodia es una pieza musical característica del romanticismo, compuesta por diferentes partes temáticas unidas libremente y sin relación alguna entre ellas. Es frecuente que estén divididas en dos secciones, una dramática y lenta y otra más rápida y dinámica, consiguiendo así una composición de efecto brillante. Franz Liszt compuso 19 rapsodias húngaras para piano, basadas en la música folclórica de su país.

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La rapsodia n°2 es sin duda la más famosa de todas ellas, ya que ofrece al pianista la oportunidad de lucir tanto su virtuosismo técnico como su expresividad musical, y esto a su vez atrae siempre al público. Esta rapsodia ha sido utilizada muchas veces tanto en dibujos animados como en anuncios y canciones populares.

Dejo aquí una excelente (aunque más estándar) versión  de la rapsodia n°2.

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Música en el mes patrio

Música en el mes patrio

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El pasado mes de junio se cumplieron 100 años del nacimiento del compositor mexicano José Pablo Moncayo, y prácticamente todas las orquestas del país rindieron homenaje a este gran músico al interpretar su tan célebre Huapango.
Con algo de atraso, pero aprovechando que se acercan nuestras fiestas patrias, me uno a esta merecida celebración y comparto con ustedes el maravilloso Huapango que ha llegado a ser un segundo himno nacional para los mexicanos y que, como todas las grandes obras, por más veces que se escuche nunca deja de emocionarnos.

 

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Huapango

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El huapango es un género de baile que surgió en el siglo XVII en la región huasteca que abarca a seis estados de la República Mexicana: Hidalgo, San Luis Potosí, Veracruz, Tamaulipas, Puebla y Querétaro. En cada uno de estos lugares el huapango se baila con características particulares. Este baile zapateado surgió de una mezcla entre los fandangos, seguidillas y flamencos españoles y las danzas de los antiguos pobladores mexicanos. La música que se baila es conocida como Son Huasteco, interpretada originalmente por un trío (guitarra quinta o huapanguera, jarana y violín), y acompañada de cantos en voz de falsete cuyos versos destacan por su espontaneidad, frescura  y picardía.

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El Huapango de Moncayo, inspirado en sones veracruzanos combinados con elementos provenientes de la música de Stravinsky, del impresionismo francés, y del nacionalismo mexicano, es una obra bellísima con una extraordinaria orquestación llena de exóticos colores musicales. Llegó a ser tan apreciada por el público desde su estreno en 1941, que el mismo compositor decía con sentido del humor que ¡Ahora él era el Moncayo del Huapango!

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Si quieren conocer un poco más de la vida de José Pablo Moncayo visiten nuestra sección Glosario de compositores

100 años de John Cage

Celebrando 100 años de John  Cage

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John Cage nació el  5 de septiembre de 1912 y murió el  12 de agosto de 1992. Fue uno de los creadores más originales y relevantes del arte de vanguardia del siglo XX que  cuestionó la música en sus principios más fundamentales a través de sus obras experimentales.
El planteamiento que aparta a John Cage de la tradición europea y lo convierte en uno de los grandes innovadores musicales del siglo XX es la búsqueda de la obra abierta. La obra abierta es una obra producida por sonidos accidentales emitidos por elementos de la naturaleza como el agua o los cactos, los enseres domésticos, radios o gramófonos, bloques de madera o pianos que han sido preparados con ligas, pinzas, tornillos, nueces y otros aditamentos entre sus cuerdas.

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He aquí un ejemplo de Piano preparado:

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Esta es la sonata n°2 para piano preparado compuesta por John Cage en 1948

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Arte conceptual

Para John Cage la obra de arte se tiene que abrir a la vida, y esto trae como consecuencia la creación de obras en las que el artista se hace a un lado y deja que los acontecimientos que existen en ellas tengan lugar simultáneamente sin que interfieran unos con otros.
Para lograr esto,

Cage compone su música usando técnicas de azar que determinan cada nota, cada ritmo y cada silencio de sus obras. De esta manera ninguna opini

ón personal del artista altera la obra pues toda decisión es efectuada de manera aleatoria. Cage afirma que para componer de esta manera es necesario que el artista aniquile su ego, ocasionando que las obras se vuelvan menos expresivas con el fin de que las emociones surjan no de ellas, sino de la gente que escucha.

Esto va en el mismo sentido de la famosa frase de su amigo y correligionario del arte conceptual, Marcel Duchamp quien, queriendo reivindicar el poder creativo de todo individuo y de su percepción constructora, dijo: “Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros”.

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Happening…

Con esta misma idea, John Cage es uno de los iniciadores del Happening. En 1952 en el Black Mountain College presentó su Obra de teatro n°1 que él mismo explicó como “eventos teatrales sin trama”, y dentro de la cual se desarrollaban una serie de actividades distintas que no tenían conexión alguna entre sí: había diversos bailarines en escena mientras él mismo y otro compañero se movían entre el público recitando poesía y dando discursos al compás de diferentes canciones.

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Desafiando a los televidentes…

En 1960 John Cage salió en un popular programa de televisión llamado I’ve got a secret presentando su composición Water walk en la que utiliza diversos ruidos ante un público que no sabe hasta qué punto es en serio o le están tomando el pelo. Con su imperturbable sentido del humor Cage les sugiere reírse, finalmente eso también formará parte de la música…

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Danza contemporánea

Otra parte importante tanto de la obra como de la vida de John Cage es la danza contemporánea. Si tienen tiempo les recomiendo esta bellísima coreografía del gran bailarín  y coreógrafo Merce Cunningham quien fuera su colaborador artístico y pareja sentimental.  

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¿Obra de arte o broma de mal gusto?

Finalmente otra gran aportación de Cage fue la adopción del silencio como parte importante de la partitura musical. Su obra más célebre en este aspecto es  4’33” de 1952. Esta pieza musical con tres movimientos puede ser interpretada por cualquier instrumento o conjunto de instrumentos. En la partitura, con una única palabra, “Tacet”, se indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. Aunque comúnmente se considera que se trata de “cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio”, en realidad el material sonoro de la obra es el sonido ambiental que se produce de forma natural y entre el público durante ese tiempo. Con el paso de los años 4′33″ se ha convertido en la obra más famosa y controvertida de John Cage.

John Cage decía que 4’33” era su obra más importante y la que más trabajo le había costado componer. Han pasado sesenta años y se ha interpretado cientos de veces en los festivales más prestigiados de todo el mundo… Mientras tanto, los críticos se siguen haciendo la misma pregunta: ¿obra de arte o broma de mal gusto?
Sea cual sea la respuesta, es curioso notar que con un apellido que significa jaula, Cage siempre tuvo como objetivo liberar la música, el arte y la vida misma.

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Escritura

Escritura

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Para amenizar un poco las largas tardes de tareas y las interminables planas de caligrafía, hoy les comparto una pieza orquestal del compositor norteamericano Leroy Andreson llamada La máquina de escribir.  

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Para los niños que tal vez ya no saben de qué artefacto se trata, la máquina de escribir es un dispositivo mecánico,  con un conjunto de teclas que, al ser presionadas, imprimen caracteres en un documento, normalmente de papel. La persona que opera una máquina de escribir recibe el nombre de mecanógrafo.

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Desde finales del siglo XIX y durante buena parte del XX, las máquinas de escribir fueron herramientas casi tan indispensables como las computadoras hoy en día.

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Es importante notar que esta pieza que parece de broma debe ser interpretada por un percusionista profesional …

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*Visita nuestro Glosario de compositores para descubrir más sobre la vida de Leroy Anderson

Escuela en casa

Escuela en casa

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En estos días todos los medios lo anuncian a grandes voces; la radio, la televisión, los espectaculares en las calles, los almacenes de prestigio gritan
“¡Ha llegado el tiempo de volver a clases!“. Seguramente muchos  niños han visto acercarse este día con sentimientos encontrados. Por un lado la tristeza de acabar las reposantes vacaciones de verano; por otro, el gusto de reencontrar a los amigos, la expectación de empezar un nuevo año escolar con todos los retos que eso implica….

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En otras épocas, los niños no tenían la oportunidad de vivir esta experiencia ambivalente, ya que era muy común que los pequeños en vez de ir a la escuela se quedaran en casa y aprendieran el oficio de sus padres. Eso fue lo que pasó en la familia Mozart hace 250 años.
Leopold Mozart,  papá de Wolfgang Amadeus, trabajaba como violinista y compositor en la corte del Arzobispo de Salsburgo, y era él quien se encargaba de la educación musical de sus dos hijos, Nannerl y Wolfi, como cariñosamente los llamaba.   

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Los hermanos Mozart

Según cuenta Leopold, mientras él le daba clases a Nannerl (quién era 5 años mayor que Wolfgang y poseía también un enorme talento  musical), el pequeño Wolfgang con apenas tres años de edad se entretenía buscando en el clavecín de su hermana, según sus propias palabras, “las notas que se quieren”. Esto consistía en tocar dos notas al mismo tiempo y escuchar si juntas sonaban bien o mal.
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Este pasatiempo lo llevó naturalmente a la composición, y en 1761, cuando Wolfi tenía 5 años, Leopold escribió en el cuaderno de ejercicios de Nannerl las primeras obras que había inventado su hijo.

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Hoy les propongo escuchar las muy breves primeras seis obras de Wolfgang Amadeus Mozart presentadas en orden cronológico.

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Es interesante notar de una pieza a la otra los rápidos progresos que hizo Wolfgang a lo largo de un año, tanto en la extensión y complejidad de ejecución de las obras, como en su armonía y estructura.
En las tres  primeras, las anotaciones  andante o allegro se refieren solamente a la velocidad de las piezas: Andante es un tiempo moderado. Allegro es un tiempo rápido.
 Las tres últimas piezas son minuetos, es decir música con unas características muy definidas. El minueto es una danza originaria de Francia. Su nombre viene de menu que significa pequeño (menudo) y se refiere probablemente a los pasos cortos y delicados con los que se bailaba.

Sus características musicales son:

El  compás ternario (puedes ir contando 1, 2, 3 – 1,2,3 – 1,2,3, mientras escuchas y verás que siempre coincide con el sonido más fuerte).
Su estructura en dos secciones con repetición de cada una de ellas.

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Por otro lado puede llamar tu atención el instrumento con que se interpretan estas piezas: el clavecín. Se trata de un teclado, como el piano, pero a diferencia de éste, al tocar una tecla se acciona un mecanismo que pulsa la cuerda con una púa, emitiendo un sonido delicado y un tanto metálico más parecido al del arpa y al de la guitarra. Muchas piezas escritas para este instrumento ahora se interpretan en el piano.

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Continuará….

Éste es sólo el principio de la vida llena de anécdotas asombrosas y de la obra maravillosa de Wolfgang Amadeus Mozart; iremos conociéndolas a detalle a lo largo de este blog…

Concierto LAS AVES

¡Ven a disfrutar de música y cuentacuentos!

Como algunos saben, el sábado pasado se celebró el concierto LAS AVES, inspirado en el libro de Ana Gerhard. Pues bien, la convocatoria fue todo un éxito y, debido a la gran asistencia, el concierto dio función doble.

Para nuestra fortuna, este domingo 19 de agosto habrá una fecha más, esta vez en un foro construído especialmente para la música viva y también para recibir una asistencia más grande. Si quieres repetir la experiencia o te has perdido de estos conciertos ¡No faltes!

Domingo 19 de Agosto, 12:00 h.
SALA CARLOS CHÁVEZ DEL CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO.
Entrada general: $50

Algunas de las piezas que integran el programa:
“Los pájaros (Preludio)”. Ottorino Respighi
“Papageno”. Wolfgang Amadeus Mozart
“La Primavera”. Antonio Vivaldi
“El Aviario”. Camille Saint-Säens
“Canción de la Alondra”. P.I. Tchaikovski
“Canarios”. Gaspar sanz
“Il Gardellino”. Antonio Vivaldi
“La sinfonía del juguete”. Leopold Mozart

Los músicos:

Daniel Martínez: Flauta
Jorge Laguna: Violín
Gonzalo Pérez: Violonchelo
José Manuel Alcántara: Guitarra
Ana Gerhard: Piano

Con la narración oral de José Luis Vargas “Huicho”.

Un recuerdo del concierto más reciente:

Una celebración inglesa

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Ahora que los Juegos Olímpicos atraen nuestra mirada a la hermosa ciudad de Londres, les propongo quedarnos en la capital inglesa, pero retrocediendo un poco más de 300 años en el tiempo, para hablar de otro festejo.

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En aquella época los músicos dependían económicamente de nobles y  reyes, y muchas de sus obras eran compuestas para celebrar o conmemorar algún acontecimiento relevante en la vida de estos importantes personajes, como podía ser el triunfo de una batalla o el nacimiento de un príncipe. Para estas ocasiones los músicos escribían marchas, himnos o fanfarrias, es decir piezas al mismo tiempo majestuosas y alegres en las que frecuentemente prevalecía el uso de timbales y trompetas.

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En el año de 1694, Henry Purcell (1659-1695), uno de los compositores más importantes en toda la historia  de la Gran Bretaña, escribió una oda para festejar el cumpleaños de de la reina María II.
Esta pieza se llama Sound the trumpet, y su originalidad consiste en  que Purcell evita utilizar dicho instrumento tan socorrido para este tipo de música festiva, y en cambio da el papel principal a dos contratenores que cantan un dueto maravilloso imitando y mencionando a la trompeta.

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Para satisfaser la curiosidad…

Los contratenores son hombres que pueden cantar tan agudo como una mujer. En el período barroco, al que pertenece esta pieza, este era un tipo de voz muy apreciado porque era a la vez claro,  penetrante y potente, justamente como la trompeta.

Epílogo

La reina María II de Inglaterra cumplió 32 años en aquella ocasión y debe haber tenido una fiesta muy alegre y fastuosa. Lamentablemente sería su último cumpleaños, ya que murió en diciembre de 1694, víctima de la terrible viruela.